Le blog de Ivenpast

D’emblée, vous pouvez oublier le désastreux film de Richard Lester, ex monsieur loyal qui a manqué sa reconversion et qui aurait dû se faire buzzer depuis bien longtemps déjà. Personne n’ignore qu’à l’origine Superman et Superman II représentaient les 2 faces d’un même diptyque pharaonique tournées simultanément par Donner, comme le seront plus tard les deux séquelles de Retour vers le futur de Zemeckis, avec Brando et Hackman bien sûr, puis remis entre les mains en plastique de Lester qui n’aura de cesse de dénaturer la vision de Puzo et Donner suite à un soi disant clash entre les Salkind et le réalisateur du 1er opus. 

Ce qui donnera Superman II ou le pire auto recyclage de l’histoire du cinéma fantastique. 

Le blurayde Superman II commence par une petite présentation enthousiasme et reconnaissante de Donner himself qui nous remercie chaleureusement d’avoir rendu possible l’exhumation de son métrage tout en précisant qu’il préfère oublier l’auteur du carnage à la Turock sur ses précieuses pellicules. 

A titre de comparaison, c’est comme si le Rocky Horror Picture Show s’était transformé en Barbie au bal des 12 princesses (j’exagère à peine et tant pis si je vexe les fans de Barbie et Ken) tant le niveau et la qualité de la vision de Donner s’éloignent de la mièvre myopie pseudo fantaisiste de Lester. Mais, j’arrête maintenant de m’attarder et je rentre dans le vif du sujet. 

J’espère cependant que les nombreuses captures d’écran pourront vous donner une légère idée de ce qui vous attend si vous vous décidez à vous procurer la précieuse galette. En souhaitant également que mon enthousiasme soit communicatif. 

→ On prend les mêmes et on change tout

 
Première bonne nouvelle, exit la scène d’ouverture ridicule sur Paris. Vous avez bien lu : le premier ¼ d’heure est purement et simplement éliminé. Terminé la VO sympa où on peut entendre Margot Kidder égrener quelques mots de français, oublié l’aspect McGyver des Terroristes au groupe constitué uniquement d’Ottis (au pluriel) et au revoir la scène (d’accord, plutôt bien foutue) de Superman éjectant l’ascenseur piégé vers l’espace. Et ce n’est pas un mal car on sent ici une volonté désespérée de retomber sur les pattes de Donner et du scénario original. 

 
On commence en fait par cinq à six minutes de séquences échappées du 1er opus : la condamnation de Zod et de son scooby gang par Brando, la mise en bouteille dans la zone fantôme et le départ de Kal-El en navette. 

Pourtant la séquence d’ouverture diffère légèrement de ce que l’on connaît déjà. Les dialogues sont les mêmes bien sûr, personne ne s’attendant raisonnablement à voir Jor-El rallier la bande de malfrats mais les perspectives sont différentes, ce qui permet d’apporter un malaise supplémentaire et une haine croissante de la part de Zod. Ces quelques minutes apportent aussi une réponse à une question longtemps restée en suspens : comment se fait-il que les 3 badguys se soient retrouvés à proximité de la Terre et non pas ailleurs dans l’Univers ? 

Visiblement, lors de l’explosion de Krypton, l’onde de choc a été telle que la prison de verre s’est retrouvée propulsée sur le chemin de Kal-El enfant, ce qui donne lieu à des plans porteurs d’une certaine énergie lorsque le panier interstellaire croise la route des criminels mais à une vitesse nettement supérieure. De fait, on comprend aussi pourquoi leur arrivée s’est révélée si tardive. On poursuit avec l’arrivée de Kal-El sur Terre puis le lancement des fusées et le sauvetage du pays par Superman. Souvenez-vous qu’il détournait un des deux suppositoires géants vers l’espace. La scène continue maintenant et on peut ainsi suivre le missile (qui n’était donc pas une fusée, OK) vers l’infini et … vers le dessous de plat de la zone fantôme, libérant de fait nos 3 super-gus. 

Par rapport à Lester, c’est toujours Superman qui libère les 3 kryptoniens, d’accord. Mais après visionnage, on constate que ce dernier a tout fait pour se réapproprier le film, risquant de fait de briser la continuité entre les deux opus. Après tout, jusqu’à présent, entre Superman et Superman II, il aurait très bien pu s’écouler plusieurs années. Cela pouvait paraître crédible. Avec Donner, la complémentarité des deux parties est de nouveau établie , permettant de rendre indissociables celles-ci et leur conférant une portée dramatique sur l’avenir du héros jusque là inexistante (Kill Bill et autre Star Trek à suivre sur plusieurs films n’ont donc rien inventé). 

Le tout se poursuit avec un plan assez spécial sur la sortie de la zone fantôme et sur un gros plan efficace de Zod hurlant dans l’espace un Free ! plus qu’inquiétant et emprunt d’une rage qui grandit le général rebelle, rompant très nettement avec l’image du méchant de service imprimée de force par Lester (on retrouve l’essence du personnage amorcée dans le premier film et collant avec son histoire). Zod gagne de l’envergure et du charisme, c’est indéniable. 

→ Générique 

 
On enchaîne sur le générique d’ouverture toujours aussi transcendant, l’un des éléments caractéristiques de la franchise … qui saute évidemment avec Lester ; dixit Superman III et son humour douteux. 

 
Ici, fond spatial de rigueur, lettrage bleu et en relief synchrone à la seconde près avec la partition incroyable de John Williams qui parvient à faire dire Superman à sa musique. Singer l’a d’ailleurs bien compris (un des rares bons points de son adaptation). Premier frisson garanti à l’apparition de « A Richard Donner Film » et plaisir prolongé avec larmichette au coin de l’œil lorsqu’apparaissent Reeve, Hackman et Brando. On se tait donc avec respect, on repense à la dédicace à Reeve avant que le film ne commence (comme chez Singer, qui a du réussir à voir ce film avant tout le monde tant son histoire reprend à merveille les éléments de cet opus) et on écoute heureux en se surprenant à appuyer frénétiquement de l’index sur la touche volume up.

→ Double identité dévoilée… ?

 
A la fin de Superman, quand Loïs discute avec Jimmy dans le désert (ou ce qui s’en apparente en tout cas. Comment ont-ils pu rentrer à Métropolis avec une faille qui s’est fait la malle, une voiture en panne et Superman faisant du tourisme sur la couche d’ozone ?), elle se rend compte malgré elle que Clark et Superman n’apparaissent jamais ensemble… La petite idée a depuis fait son petit bonhomme de chemin. On retrouve tout notre petit monde au Daily Planet avec Loïs consultant le dit journal et tombant sur une photo de Superman. Clark de son côté discute avec Jimmy en arborant la même pose que son homologue sur la photo. 

Loïs à l’aide d’un marqueur grime Superman et remarque évidemment la troublante ressemblance pour enchaîner sur un dialogue amusant de double sens dans le bureau de Perry White qui veut les envoyer mener une enquête dans les love hôtel pour démontrer qu’il s’agit d’un milieu empli d’escrocs aux jeunes mariés. S’en suit alors une formidable séquence, rondement menée et sans toute la fioriture de Lester quand Loïs décide de risquer sa vie pour prouver la double identité de Clark. On en termine enfin avec le battage ridicule aux chutes du Niagara avec un Clark qui doit se faire passer pour un idiot congénital au moment de sortir Loïs des eaux. Lester a essayé de reprendre les mêmes ingrédients que Donner, à savoir : chute – appel à l’aide – panique de Clark – vision Laser – Loïs qui se rend compte que Clark n’a presque pas bougé, paniquée – Loïs regrettant sa témérité. Le problème, c’est qu’il s’est inutilement embourbé. 

Chez Donner, Loïs se jette de la fenêtre du bureau de Perry et chute dans le vide. L’effet de surprise est décuplé car le tout se passe dans un milieu urbain et Clark va devoir sauver la belle aux yeux de tous tout en conservant son secret. La scène est redoutable d’efficacité, Clark devant utiliser tous ses pouvoirs pour sauver Loïs : super vitesse dans les bureaux du Planet, vision chaude en pleine rue devant le journal et super souffle pour ralentir la chute de Loïs avant de réutiliser la super vitesse pour regagner sa place derrière la fenêtre. Loïs est donc sauvée (avec une pointe d’humour très proche des comics et bien plus fine que celle de Lester qui consiste à copier Vidéo Gag) et admet qu’elle s’est trompée… quoique. Le tout ne dure qu’une minute et en tant que spectateur blasé par le multiples visions de Lois et Clark et des métrages en eux même, j’ai du me repasser la scène au moins dix fois. 

On notera que Singer a repris le principe avec brio dans une séquence choc de la démonstration de pouvoirs à tout va. Il est sûr qu’il a été brillant dans le sauvetage de Metropolis. Mais la force de Donner réside dans une donnée simple : ce n’est pas Superman qui sauve Loïs mais bel et bien Clark, ce qui permet d’insister sur l’ambivalence d’un même personnage indissociable de ses deux facettes. Le fait que Superman confie plus tard à Loïs dans la Forteresse de Solitude qu’il sait enfin qui il est n’est donc plus aussi déplacé que chez Lester. 

→ L’évasion de Luthor

La scène de Donner est plus longue et mieux construite que celle de Lester. Elle permet d’approfondir les relations entre le personnage de Lex et de Miss Teachmaker (je ne suis pas sûr de l’orthographe sur ce coup là). 

 
L’ensemble des scènes d’Hackman ayant été tourné sous la direction de Donner, on ne saurait être surpris de retrouver dans cette version les mêmes images. Logiquement, on revoit l’hologramme, la discussion en prison sur le Nord et Tino Rossi et la carapate en ballon. Ottis est toujours aussi décalé et Donner en rajoute une couche avec le passage du Pssst !

L’apport vient en fait du dialogue entre la belle blonde et le chauve mégalo. La miss rêve de mariage et semble aimer profondément Lex qui doit de son côté éprouver quelque chose pour elle pour avoir réussi à lui pardonner le monumental foirage des fusées. D’un autre côté, histoire de jouer les tordus, c’est aussi un peu grâce à elle qu’il a failli devenir roi d’Australie et de Cuba… 

Bref une fois encore, Donner démontre son brio en surpassant Lester (je sais, on va finir par le savoir à force !) Lester use et abuse du comique de geste au détriment du reste. Donner utilise bien sûr le même procédé (Ottis en est un bon exemple) en y ajoutant un comique de situation et des dialogues décalés. Je citerai évidemment miss Teachmaker curieuse de savoir si Lex a rêvé d’elle en Bikini, ce à quoi il répond qu’effectivement il a bien pensé à elle… en parka, sans oublier bien sûr la répétition du gag de la direction entre Nord et Sud de Luthor qui parvient finalement à trouver un excellent contrepoids à sa folie furieuse dans la miss america 1980. Miss Teachmaker se révèle plus qu’un faire valoir et gagne en épaisseur (c’est possible… d’accord, humour foireux) Le 2nd opus de Superman étant également plus sombre que le 1er, on se débarrasse également d’Ottis (officiellement comme dans les scènes coupées) qui n’a plus d’utilité … Luthor prenant par moment sa place auprès du délicat trio (maison blanche, Daily Planet…)

 
Pour conclure, par rapport au Lester’s Cut, peu de rajouts, mais quels rajouts ! Il en de même pour tout le métrage, permettant à tous les personnages (Non compris) de gagner en finesse et en psychologie. 

→ Bout d’essai Kent / Lane 

Cette scène qui représentait l’une des meilleures scènes coupées de la précédente édition collector de Superman est intégrée en plan - contre plan Loïs / Clark dans le film. Loin de dénoter dans l’ensemble, elle lui apporte une densité folle et permet d’oublier l’aspect colonie de vacances mis en place par Lester (même si le sauvetage de l’affreux moutard désobéissant était assez spectaculaire). 

Dans la mouture précédente, lorsque nos deux journalistes rappliquent dans le Love Hôtel des chutes du Niagara on a droit à tous les clichés possibles sur ce type d’endroit : portier limite inconvenant et sans style, port de la mariée, chambre rose kitsch au possible, lit à eau en forme de cœur et faux feu de bois. 

S’en suit un prétexte ridicule qu’on retrouvera dans Tigres et Dragons (et son hilarante parodie de chez Les Guignols) vis-à-vis d’un peigne et hop ! Loïs devine que Clark Kent est Superman, démontrant pour le coup beaucoup moins de stupidité galactique que ne le préconisait Tempus dans une autre série. 

 
Chez Donner, on retrouve l’hôtel mais on s’arrête sur le pas de porte de la chambrée, le groom suffisant à lui tout seul pour dénoncer ce type d’escroquerie aux jeunes mariés (arnaque qui se poursuit encore de nos jours, dixit La fiancée de Chucky). Ensuite, on retrouve nos deux comparses dans une chambre sans fioritures prêts à se rendre à une soirée. Une discussion s’engage négligemment sur la tenue désuète et le maintien affligeant de Clark en général pour dévier une fois de plus sur l’obsession de Loïs pour Superman. Une fois encore la mise en scène est brillante et construite. Je rappelle qu’il s’agit d’un bout d’essai qui s’intègre parfaitement au scénario d’origine puisqu’effectuant même un rappel par rapport à la tentative de démystification employée par Lois au début avec un élément dramatique imparable cette fois ci. Loïs ne risque plus sa vie mais celle de son ami avec un revolver. Effet garanti et complicité grandissante évidente entre les deux comédiens avec un Clark pris à son propre piège (Bonjour la confiance entre collègues !). Là où Lester voulait ajouter du burlesque à la Keystone Cops (ou à la Police Academy pour les plus jeunes) avec Reeve trébuchant sur la peau de bête (un peu grosse la ficelle, quand même), Donner va à l’essentiel et instaure une réelle tension dans ce rebondissement scénaristique de taille. On notera au passage la véritable performance d’acteur de Chris Reeve qui se métamorphose littéralement en Superman devant nos mirettes ébahies. Pas besoin de se prendre pour The Mask façon Dean Cain, l’illusion est parfaite. C’est ça le talent. 

Pour finir, je ne peux m’empêcher de constater une véritable trahison chez Lester. Clark n’est qu’un rôle joué par Superman pour s’intégrer (pour plus de détails, cf. le petit laïus de Bill dans Kill Bill part 2). Faire tomber Clark et le faire se trahir ainsi est un procédé trop facile pour être justifiable. Cela signifierait alors que c’est le coté maladroit de Clark qui constitue sa vraie nature… à méditer. 

→ La découverte de la forteresse par Lex

Rien de bien différent dans les deux versions à ce niveau si ce n’est un amusant gadget de Lex pour se rendre à la forteresse de solitude. Comme Brando et Hackman sont de la partie, Lester a réutilisé le matériau original en se fourvoyant. C’est Jor-El qui s’est occupé de sauver son fils avec l’appui de sa femme, et contre l’avis de tous les autres chefs du conseil. J’avais du mal à comprendre ce que fabriquait ce kryptonien chauve récitant son poème sur les arbres et la mère de Kal-El n’en imposait pas suffisamment pour assumer le rôle de mentor. Si on part également du fait quel la mère de Clark est vivante dans le film, il est plus que logique que le pendant paternel soit assumé par Jonathan Kent puis par Jor-El à la mort de celui-ci. Enfin, les rapports père fils sont propices à bien plus de scènes fortes que les rapports mère-fils. De plus, entre Lana Lang, Loïs Lane et sa mère terrienne, il y avait suffisamment de femmes dans la vie de Kal-El pour remplir toutes les facettes du côté féminin. 

Jor-El apparaît donc à Luthor en lieu et place du stupide amas de cristaux télévisuelo-intéractif et renseigne malgré lui Luthor sur ce qu’il veut savoir. Je passe sur le côté fou fou de miss Teachmaker, pis-aller idéal pour désamorcer la tension de cette situation inédite (cf. quand elle trouve finalement les toilettes alors que le sort du monde est en jeu) et me permet de faire passer un screenshot de la présentation de Zod and co qui permet, pour l’époque d’avoir un aperçu de la technologie krytonienne plus en phase avec le décor de la forteresse de solitude. 

→Le rôle déterminant de Brando

Pour le fan qui se respecte, retrouver Brando à sa vraie place procure un plaisir rare et entretien une linéarité évidente avec le premier film. Effectivement, on pouvait d’abord voir le père tout puissant qui sauve son fils de l’explosion de sa planète natale, puis le mentor qui enseigne à Clark pendant plus de quinze ans tout ce qu’il doit savoir sur sa destinée. S’en suit une période d’opulence émotionnelle pour Clark jusqu’à la mort de Loïs. Premier défi au père et premier soufflet puisque Superman passe outre des recommandations essentielles pour sauver celle qu’il aime. Le parcours initiatique se poursuit dans le second opus avec un Kal-El épris, prêt à tout sacrifier et faisant montre d’un certain égoïsme vis-à-vis de sa mission humanitaire afin de devenir humain (au plus mauvais moment s’entend) au détriment des avertissements de Jor-El. 

Il nous fait sa crise d’adolescence, ni plus, ni moins puisqu’il rejette son héritage pour assouvir ses envies. On découvre ainsi un aspect jusque là méconnu du Superman de Reeves. On connaissait par cœur son caractère boy scout se sacrifiant avec joie pour assumer son idéal déclamé à Loïs un peu plus tôt (défendre la justice, l’american way…), on découvre maintenant des propos durs et qui ont le mérite de se poursuivre dans le Superman Returns de Singer. J’avais été un peu choqué de voir Superman utiliser ses pouvoirs à des fins personnelles peu reluisantes (voyeurisme chez Loïs et autres…), les choses apparaissent plus claires à présent et il apparaît somme toute normal que même le plus grand super héros traverse des crises personnelles (Batman ne sera plus seul dans la cellule VIP d’Arkam, ça rassure). 

On peut aussi s’interroger sur ce que Kal-EL a véritablement fait pour les humains suite à la réplique ci-dessus. Dans la mythologie Donner, de sa naissance à son arrivée à Metropolis, Clark n’a pas fait grand-chose. Toute la saga Smallville a visiblement sauté puisque Clark n’a visiblement aucun ami et vit dans une sous existence pénible destinée à protéger ses pouvoirs et ceux qu’il aime. Exit donc toute l’adolescence de type Superboy. A part envoyer des ballons dans l’espace et dépasser les trains à la course, il ne reste pas grand-chose… 

Une fois Jonathan décédé, il part sur le chemin de sa propre découverte et noue des liens avec Jor-El pendant une quinzaine d’années. Jusque là, pas d’actes héroïques à son actif. Il arrive ensuite à Métropolis (j’aimerais savoir au passage d’où il sort son costume puisque maman ne l’a pas fait (au contraire de Lois et Clark) et que les tissus de son vaisseau spatial lui couvrait à peine le derrière petit…) et dans le détail, en restant chez Donner, il sauve Loïs d’un accident d’hélicoptère, capture une bande de brigands, sauve un chat et vient une fois encore à la rescousse de Loïs au détriment de tout le reste pour ensuite, devinez quoi, re-sauver Loïs d’une tentative de démonstration un peu débile . Bien sûr, il a empêché l’inondation d’une vallée habitée et a rebouché la faille de San Andréas, il a sauvé tout un car d’adolescent et empêché le déraillement d’un train. D’un autre côté, il a aussi libéré trois criminels ayant chacun ses pouvoirs…

En gros, le seul acte héroïque qui ne concerne pas une seule personne réside dans la construction express d’un barrage et dans la résolution de deux problèmes de circulation. Une seule action de ce type ne peut se résumer à un « après tout ce que j’ai fait pour eux », faut pas charrier. Oui, Superman est égoïste et il ne l’assume pas. Donner égratigne donc encore le mythe et la vertu de son héros pour le faire ressortir plus grand de toute cette crise en préparation. 

Clark (et non Kal-El) entre donc dans la section kryptonite rouge de la forteresse dans une variante agréable du ridicule cercueil de cristal-plastique de Lester et perd ses pouvoirs. On en termine avec la décomposition moléculaire absurde et mal foutue mais on perd aussi le seul bon ajout de Lester qui consistait à voir s’évaporer un Superman en costume laissant derrière lui un Clark Kent plus humain que jamais : il l’est à la fois mentalement (voir précédemment) et aussi physiquement. 

Loïs assiste toujours à l’ensemble de la scène, cette fois dans un T-shirt Superman so pretty mais sous le regard chargé de reproche de Jor-EL qui lui aussi regarde son fils perdre tous les espoirs qu’il représentait pour lui. Non seulement, son fils le bafoue et renie ce qu’il est, mais en plus, il ne semble pas apprécier la petite copine de ce dernier. 

La scène est grandiose, grandiloquente avec pourtant peu de dialogue et lourde de sens avec l’explosion de la console cristalline et la disparition d’un Jor-El écoeuré. 
Le fils prodigue veut vivre sa vie et va le regretter. 

→ Pendant ce temps, dans un trou perdu ricain…

Les trois autres Kryptoniens qui n’ont pas dû avoir de parents du tout dans leur enfance continuent gaiement leur découverte de la planète Houston sur un lac, dans la cambrousse et dans un village où ils dégomment tout sur leur passage. Donner coupe des scènes entières de Lester (Non qui s’acharne sur un bout de bois pour le brûler et le faire passer pour un arriéré mental, le Mont Rushmore refaçonné à la gloire de Zod…) ce qui permet au rythme d’être plus intense et soutenu (dommage pour la très drôle partie de bras de fer entre Ursa et un péquenaud local) et de filer directement à la maison blanche où le carnage et les cadavres sont démultipliés. 

On voit ainsi un Zod blasé par sa supériorité qui laisse ses gardes chaumes s’amuser un peu jusqu’à l’entrée fracassante d’un GI qui fait cadeau de sa mitraillette au général. 
Zod (apparenté plus que jamais à un terroriste intergalactique avec ce plan) entre en scène et prend son pied, démontrant, si besoin est, son mépris de la vie. Le montage de Donner est énergique et ne se perd pas dans le sauvetage de la vie du père d’un campagnard ni dans les méandres d’une découverte télévisuelle du conflit en alternance avec la maison blanche. Les deux sont mélangées avec efficacité pour faire avancer le récit. 

→ LA scène du film (ou pourquoi Brando a touché si cher de manière justifiée) 

Une question quasi-existentielle me taraudait depuis ma première vision de Superman II. Comment Kal-El a récupéré ses pouvoirs alors que le procédé devait être irréversible ? On le voyait le visage tuméfié et transi de froid revenir à la forteresse dévastée et un quart d’heure plus tard, le temps que Metropolis soit mis à sac, il revenait frais comme un gardon et dérouillait tout son petit monde. 

Donner avait la réponse. Elle consiste dans la scène la plus onirique et la plus touchante des la tétralogie Superman actuelle. Et cerise sur le gâteau, elle apporte un éclairage nouveau au film de Singer (qui voit sa côte perso remonter vitesse grand V au fur et à mesure que je rédige cet article). Evidemment, Brando est de la partie. Tout à l’heure, on avait donc un Clark Kent voulant oublier son passé, bouffi d’arrogance qui défiait son père. Logique sur le parcours initiatique, on a dorénavant un Kal-El déchu et repentant, dans un triste état, qui supplie son père de réparer ses erreurs et qui n’a pas la force (le courage ?) de le regarder droit dans les yeux, conscient de son erreur. Le prix à payer va être insupportable mais permettra à Superman et Clark de coexister et de devenir un seul et même être mature et adulte (il aura fallu la mort de deux paternels pour en arriver là).
Pour ce qui est des captures d’écrans, je n’ai pas effectué de montage de dialogue comme tout à l’heure, pour laisser à chacun la joie d’apprécier la tension du moment. 

C’est le visage d’un père prévoyant, quasiment l’égal d’un dieu omniscient qui scrute Kal-El , avec l’espoir déçu de lui apporter la rédemption. Reeve est ici magnifique (Routh et Cain peuvent s’accrocher, il ne parviendront jamais à cet instant de grâce). 

Jor-El apparaît alors physiquement pour la première et dernière étreinte qu’il pourra donner à son fils. Le passage de relais est effectué, Clark a perdu ce qu’il avait de plus cher mais a accepté son héritage et sa destinée. Bouleversant. 

→ Quand les demi dieux s’affrontent

Nous revoici à Metropolis pour la bataille (et non la grande scène) finale entre les kryptoniens au grand complet. Je passe le moment où le Daily Planet est à moitié détruit et vais m’attarder su les petits plus qui permettent de dépasser la version précédente un peu tout public. Superman est revenu et nargue nos trois super criminels dans une pose très DC Comics (Batman a la même dans Batman Begins). 

S’en suit à quelque chose près la même lutte que chez Lester à ceci près que ce sont Perry et Loïs qui assistent impuissant à la scène et non plus LoÏs et une péronelle qui craque pour Non ; élan du cœur totalement incompréhensible dans le contexte de destruction de la ville. Encore un non-sens probant. Les coups fusent, Superman est envoyé en plein sur la statue de la liberté, ce qui tranche radicalement avec le dernier passage où on a pu la voir, quand Loïs vole dans les bras de l’homme d’acier. Métaphore d’un amour dangereux et impossible avec cette démolition en règle du monument qui colle inévitablement avec l’un des seuls souvenirs privés du couple ? Peut être. 
Zod n’ayant rien compris dans sa pseudo victoire doit ensuite faire face à la ville qui se rebelle contre lui, ce qui reste emblématique de l’amour de la Terre pour Superman mais cause désespérément perdue pour leur propre survie. Le réal laisse d’ailleurs passer une réplique savoureuse que je vous retranscris en image : 

On perd heureusement tous les passages du type du gars qui reste accroché à la cabine téléphonique après avoir perdu sa moumoute quand s’abat sur la ville la tempête de supersouffle. Le reste colle avec ce que l’on connaît déjà, nonobstant un petit plan de Superman s’extrayant avec peine du camion Malboro. Puis fuite du héros pour amener le conflit sur un terrain non habité (typique dans DBZ quand on y pense… à croire que les E.T. nous aime vraiment). 

Lors du combat dans la forteresse, exit aussi les deux démonstrations de pouvoirs ridicules et fantaisistes résidant dans le blason de superman qui se transforment en filet et dans la sorte de rayon énergétique produit par les index de tout le monde. On va droit à l’essentiel pour retomber sur les rushs existant de la trahison de Luthor et de la victoire basée sur l’inversion de la cage de soleil rouge. La Terre est sauvée, Loïs va retrouver Metropolis et Superman dans tout ça ? 

Il a tout perdu, ne restant de son père que la mission qu’il a momentanément dédaignée et pour mieux marquer ce changement de cap et l’acceptation de ce qu’il est, il détruit purement et simplement la forteresse avant de s’envoler avec Loïs pour ce qui sera LA seconde scène du film. 

→ LA seconde scène du film (où comment le rédacteur fatigué ne se foule plus pour trouver ses sous titres) 

Dans la vision de Lester, j’avais détesté le coup du bisou hypnotique qui permet de tout oublier (repris dans Superman IV), j’avais ressenti une énorme déception en voyant que les méchants n’étaient que d’opérette et qu’ils avaient été vaincus par leur propre orgueil démesuré et je ne parle pas de la fin à la Rocky 4 patriotique à en vomir. 

Magic Donner était heureusement là et avait un tout autre projet salopé par les Salkind. Superman I et II ne sont, on le sait maintenant, qu’un seul et même film. Malheureusement, le but étant d’assumer le spectacle avant tout, la fin de Superman, aussi spectaculaire et marquante soit elle (et représentant depuis la solution impossible citée dans je ne sais combien de séries comme Malcolm in the Middle) ne devait être prévue que pour conclure de manière extraordinaire Superman II. 

 
Vu que Donner est de nouveau aux commandes pour produire la vision d’un chef d’œuvre qui s’ignorait jusqu’alors, il reprend le même procédé et nous montre ce qu’il désirait vraiment en faire, loin de la vision en carton pâte du premier opus (les maquettes étaient bien trop visibles). 

Et c’est un coup de maître qui redonne un troisième souffle à tout un lot de sous intrigues qui auraient pu nous donner une suite de films tout aussi géniaux les uns que les autres. Tout le monde a encore en tête le Superman furieux qui décida de remonter le temps. Le plan est d’une beauté et d’une poésie peu commune et nous montre un dieu à l’oeuvre. 
Ici, rebelote. Superman raccompagne Loïs sur son balcon et discute quelques minutes avec elle avant de s’envoler sur son serment de ne jamais révéler son secret. 
Le plan d’après, on peut voir Metropolis qui retrouvé sa routine routinière avec des gens pressés, Perry qui se prépare à se laver les dents…. Puis soudain, le temps semble comme s’accélérer … à reculons. Vous aurez pigé le truc : avant, nous étions spectateur avec vue sur la Terre. Maintenant, nous vivons le phénomène du point de vue des terriens et non plus uniquement de Superman. L’effet est grandiose ! 

On se retrouve avec une statue de la liberté qui se répare toute seule, avec les dégâts occasionnés par Zod qui prennent le même chemin et surtout, cohérence scénaristique totale, avec nos trois super Bad Guys qui se retrouvent de nouveau prisonniers de la zone fantôme ! Excellent rebondissement qui peut laisser présager un retour de ces derniers … en pleine possession de leurs moyens puisqu’ils crient à l’infini un non rageur qui démontre clairement qu’ils n’ont rien oublié de ce qui vient de sa passer, au contraire de toute la planète. 

Le lendemain, Clark retourne au Daily Planet et teste insidieusement Loïs pour constater l’efficacité de son tourde passe-passe et nous donne à voir un personnage à la fois satisfait et triste. 

Et voilà. Que dire de plus à ceux qui ont tenu jusqu’ici ? Ruez-vous sur la rondelle et régalez vous ! (Allez aussi jusqu’à la fin du générique pour partager la prise de conscience de Donner. Je n’en dirais pas plus) L’attente n’a jamais été aussi justifiée et reste l’occasion de voir un nouveau Superman incarné avec justesse par Christopher Reeve. 

 
N’oubliez pas non plus de jeter un coup d’œil à la passionnante reconstruction du film et aux scènes coupées qui restent vraiment très drôle (l’autre évasion possible de Luthor est tordante et offre un bel hommage aux comiques d’autrefois). 

A plus dans un prochain article. 

 
Ivenpast

Star Trek V L’ultime frontière reste l’opus le moins aimé par les trekkies , de manière générale. Pauvreté du scénario, faiblesse de la mise en scène, inexistence des enjeux,  des personnages n’étant plus que l’ombre (un jour ensoleillé , vers midi, dans une ville placée sur l’équateur) d’eux même, onirisme digne d’un paquet bonux et ridicule de situation plus souvent affligeant que réellement amusant (McCoy proposant de mettre Spock en position pour lui botter le derrière). Que pouvait on alors espérer de la Paramount face à ce naufrage artistique ? Depuis La colère de Kahn, la franchise Star Trek avait accumulé du bon (The Voyage Home) et du convenable (The Search for Spock) puis avait fini par devenir une industrie sans vie, calibrée pour le grand écran simplement pour se faire un maximum d’argent pour un investissement ridicule sur le dos de fans toujours obligeants, ne serait ce que pour pouvoir assister à une aventure supplémentaire de leurs héros, quelque soit son niveau.

            Au vu de la quête de l’Eden par Sybock, il était quasiment certain que Kirk et consort avaient vécu leur dernière aventure, le film sortant même en direct to video dans nos contrées pour éviter une campagne cinéma qui aurait été aussi chère qu’inutile ; sans compter l’octroi d’un triple titre aux razzie awards 1989 : Pire film, Pire acteur, Pire réalisateur ! Plus grave encore, à l’époque post TOS, Star Trek Phase 2 avait maintes fois été sortie des cartons des producteurs pour finalement ne jamais voir le jour. Quand on repense à The Motion Picture et à l’intensité dramatique de Kahn, comment être objectif devant l’Ultime frontière ? Chant du cygne ? Non. Un chant du cygne annonce une fin mais peut finir en apothéose, soit en comblant le fan, soit en proposant une issue totalement inédite et si marquante qu’elle n’appellera plus de séquelle potentielle. Citons pour l’exemple Buffy contre les Vampires avec la destruction pure et simple de Sunnydale dans un final post apocalyptique aussi maîtrisé que déjanté , avec des tueuses novices dessoudant des Turrokans comme le T-Rex de Jurassic Park de petites chèvres bien grasses. Charmed quant à elle a eu quatre dernières saisons pouvant toutes s’envisager comme des fins avant de sombrer dans le grotesque ( dur de reprendre le flambeau après la mort de Cole et la fin de Leo en tant qu’Avatar) mais l’audience suivant , la série perdura pour peut être une saison de trop (soyons généreux). Star Trek V , tant par son mépris pour le matériel historique ,mis en place autant par TOS que par les précédentes aventures cinématographiques , que pour les fans de toujours aurait simplement pu faire office d’enterrement honteux, à l’abri des regards les plus larmoyants quant à tout ce gâchis. Même la licence Vendredi 13 qui ne faisait pas dans la finesse avec un dernier titre ridicule avant de se faire racheter par New Line avait su respecter son cahier des charges (minimaliste : Jason court après une jeune et découpe tout ce qui bouge …. Et encore vu sa balade plutôt calme dans New York...) et offrir son lot de décès accidentels , nonobstant une ou deux pincées d’humour (la scène de boxe, l’arrivée devant le panneau publicitaire, la réponse de Jason à des voyous citadins….) plutôt bienvenues et surtout légères histoire de continuer à capter l’intention du spectateur qui se serait trompé de salle en se disant que finalement, il serait peut être agréable de tenter l’expérience.

            Pire encore, non content de se dépatouiller avec un scénario frisant l’indigence par rapport à certaines perles de TOS, Shatner réussit le tour de force , car c’en est un, d’échouer dans ses effets spéciaux, logiquement indispensables dans ce genre de production, et de clôturer son film sur une scène lamentable où nos trois compères chantent « Au clair de la lune ». Je regrette de tant insister sur cette chanson mais voire trois cinquantenaires s’enthousiasmer en babillant ce refrain devant un feu de bois, j’ai vraiment beaucoup de mal. A moins d’un miracle, il semble alors que Star Trek se soit crashé dans les abîmes d’Hollywood pour ne plus jamais revoir la lueur du jour, si ce n’est à travers des allusions dans d’autres phénomènes cinématographiques ou télévisuels. On pensera dans ce cas à des clins d’oeils légers comme dans la septième saison de Buffy (Le Vulcain étant confondu avec un vulcanologue) ou plus appuyés jusqu’à l’hommage comme avec Futurama.

            L’espoir va renaître non pas sur la toile mais sur le petit écran. Roddenberry, toujours aux manettes, parvient à convaincre la Paramount (rassurée par la vente des films et par un noyau de fans inconditionnels, sans oublier le succès des conventions) de retenter l’expérience. Terminé l’époque trouble de TOS et bienvenue à l’équipage de TNG avec un Picard en capitaine interprété par le très juste Patrick Stewart qui accède ici à la notoriété internationale depuis son rôle dans Dune de David Lynch. Le bonhomme que l’on aura aussi pu croiser dans Sacré Robin des Bois et dans X-men , mais aussi dans The Lion in Winter avec Glenn Close ou bien encore dans un Moby Dick réussi produit par Coppola continue aujourd’hui une carrière brillante et passe de temps en temps par l’animation en doublant des personnages plutôt inattendus que ce soit dans Jimmy Neutron : Un garçon génial ou TMNT The Movie. Ce dernier avait même accepté d’interpréter ce rôle de capitaine en étant persuadé que le show ne durerait guère plus qu’une saison….

            Redéfinition de l’Univers Star Trek, bond en avant de plusieurs dizaines de décades, structure géopolitique du cadran complètement modifiée pour un Enterprise au design à la fois remanié et hérité de son aîné. La série s’installera dans la qualité sur sept saisons mais je ne m’attarderais pas plus dessus, comptant vous inviter dans un papier futur reprenant un peu le principe de ceux d’Enterprise.

            Débutée en 1989 / 1990, après l’Ultime frontière, The Next Generation s’installe dans la durée et renoue avec la qualité (même si le personnage de Wesley gagnerait à passer 10 à 12h quotidiennes dans un sas de décompression grand ouvert). Mieux encore, les sfx numériques commencent à se développer de manière exponentielle et sont parfaitement intégrés dans les nombreuses scènes spatiales qui voient aussi arriver de nombreux autres vaisseaux à mille lieux des boîtes en carton censés signifier un oiseau de proie klingon ou romulien dans TOS.

            Le studio se retrouve donc avec d’un côté un équipage historique mais moribond et figé dans la fange de l’industrie Hollywoodiene et de l’autre avec une nouvelle franchise basée sur des références historiques jamais montrées à l’écran. La tentation est trop belle de relancer un ultime revival clôturant avec panache les pérégrinations de Kirk tout en assurant le lien avec TNG. Mais pas question de se planter (n’ayons pas peur des mots) à nouveau et de se fourvoyer dans des délires ésotériques de bistrot. Il faut en donner pour leur argent aux fans et comme à priori ce sera la dernière fois, il n’est pas question de reprendre directement après l’Ultime frontière ni d’en faire abstraction pour repartir juste après The Voyage home. Et bien évidemment, afin que les acteurs se consacrent de nouveau uniquement à leur rôle, on oublie l’idée de redonner les rennes à un acteur en mal de première réalisation (bien que Nimoy s’en soit sorti haut la main après son essai sur The Search for Spock). Il faut aussi trouver une intrigue inédite suffisamment solide pour tenir en haleine pendant près de deux heures tout en ayant une portée suffisamment importante pour mettre en scène le meilleur des quatre premiers volets.

            Terre Inconnue , au-delà de ces objectifs , va représenter un enjeu énorme en soi et va non seulement faire oublier le désastreux opus précédent mais aussi pouvoir postuler comme le meilleur film cinéma de la franchise TOS , parvenant souvent à surclasser Kahn et à distancer the Motion Picture et The voyage Home. Installez vous confortablement et faites chauffer les phasers. Star Trek VI est tout simplement un MONUMENT du space opera et une réussite incontestable et inespérée pour tout trekkies digne de ce nom. « C’est celui qu’il faut voir, le meilleur de tous ! » s’exclamait Dennis Cunningham de CBS TV . Nous allons à présent voir pourquoi ce dernier avait raison.     

            La première chose à faire afin de tenir le bon sujet reste de trouver un fil rouge d’envergure. La menace planétaire avait déjà été exploitée à la fois dans The Motion Picture avec V’Ger et avec la sonde Cétacée dans The Voyage Home. Le méchant mégalomaniaque qui en voulait personnellement à Kirk avait  été brillamment mis en scène avec La colère de Kahn, en se jouant d’un handicap de taille, celui de ne jamais avoir sur un même plan et dans un même décor les personnages physiques de Montalban et Shatner. Le drame et les trahisons avaient été de mise dans les trois premiers opus et même le message écologique d’avant-garde pour l’époque fut traité avec the Voyage Home. Les menaces d’ordre planétaires ou personnelles également utilisées, restaient encore les conflits spatiaux majeurs. Ces derniers ont eu leur heure de gloire avec le chassé croisé de Kahn et Kirk dans la nébuleuse Mutara et dans une moindre mesure dans l’Ultime frontière. N’oublions pas non plus que des civilisations entières avaient été repensées via The Motion picture et The Search for Spock via les Klingons et les Vulcains. Encore fallait il trouver un moyen de concilier toutes ces pistes dans un mélange suffisamment solide pour construire un film. Paramount utilise alors la méthode MGM. Lorsque l’on regarde les 007, on se rend facilement compte qu’ils sont les reflets politiques de leur époque. Pourquoi ne pas utiliser le même principe pour Star Trek qui en transcendant les notions de racisme, de méfiance au-delà de leur portée négative pour offrir un monde utopiste d’acceptation et de volonté d’évoluer vers un état plus mature , a su des les années 60 tout à la fois porter un regard critique sur notre civilisation et démontrer qu’un monde meilleur était possible.

Nous sommes donc au début des années 90 (le film sort en 1991 aux USA). Quel est le contexte géo-politique en vigueur ? D’un point de vue économique et écologique, on pensera évidemment au désastre de Tchernobyl qui entraîna une réunion d’urgence entre les deux grandes puissances issues de la Guerre Froide (USA / URSS). Mais d’un autre côté, dans cette période particulière de l’histoire qui va définitivement clore les clivages de la seconde guerre mondiale, peut on trouver suffisamment matière à transcrire dans l’Univers Star Trek ? Sans pour autant perdre les fans en créant de toutes pièces une nouvelle race que l’on ne reverra plus ensuite , piège dans lequel tombera entre autre Star Trek Insurrection … Existe il deux nations suffisamment antinomiques pour porter cette ambitieuse confrontation, mélange de haines passées et d’espoirs futurs ? Lé réponse tombe d’elle-même avec les Klingons et la Fédération, le conflit entre andoriens et vulcains étant alors à peine esquissé dans un lointain épisode de TOS et pas aussi développé qu’il le sera dans Enterprise. De plus, n’oublions pas que la Fédération doit être un des partis de manière à relancer Kirk et sa bande sur les sentiers de la gloire. Le problème reste que les Klingons apparaissent dans The Motion Picture, The Search for Spock, indirectement via leur oiseau de proie et le procès de Kirk dans The Voyage Home et aussi dans L’Ultime Frontière (bien que cela se fasse de maière peu naturelle quant au déroulement du récit). Cinq films sur six. Faisant passer ces guerriers pour d’indignes barbares, enfants gâtés s’ennuyant fermes dans l’espace et cherchant sereinement les problèmes en s’attaquant systématiquement à Kirk , bien avant son statut de renégat. A croire que l’Enterprise est le seul astro-croiseur terrien de la galaxie, voir le seul spationef tout court….

            La présentation de ce peuple, remaniée une première fois depuis TOS pour leur donner leur physique et leurs vaisseaux actuels va connaître un second lifting et les présenter sous un jour nouveau,, avec une crédibilité politique. L’idée en soi est potentiellement fantastique, redéfinissant les bases d’ennemis de toujours auxquels le public s’est attaché mais offrant de plus un terrain d’arcs scénaristiques multiples quant à la nouvelle génération. Car si ce film est avant tout le baroud d’honneur de TOS , il sert également à légitimer TNG. C’est ce double aspect, bien plus que dans Star Trek Generations qui va donner une telle profondeur à ce film et le classer dans le trio de tête affectif des fans de toutes sortes.

            La présentation elle-même des Klingons dans cet opus est à la hauteur de celle des Vulcains dans la première trilogie. Le film s’ouvre sur l’explosion de Praxis, l’une des lunes encadrant la planète mère Klingon, Kronos. En moins de deux minutes d’ouverture au visuel extraordinaire pour l’époque et rappelant avec bonheur l’hardiesse novatrice de Genesis, ce peuple se trouve crédité d’une planète d’origine, avec un noms à la consonance presque gutturale et d’une lune productrice d’énergie. Le détail n’est pas anodin, car avec cette simple lune terraformée pour dans une optique énergétique, les Klingons acquièrent en un instant une connaissance scientifique au moins équivalente à celle de la Fédération, qui dépasse la simple conception de vaisseaux pour aussi s’intéresser à la subsistance du peuple dont une partie ne peut forcément être guerrière (un peuple tout entier destinée à la guerre et au chaos ne pourrait pas survivre longtemps dans un espace à multiple quadrant régenté le plus souvent par un jeu d’alliances stratégiques). La réaction est fulgurante de la part de l’Empire qui décline toute proposition d’aide, préférant régenter le problème dans une autarcie totale. Le parallélisme avec le comportement romulien se trouve établi à son tour et les Klingons se voient taxer de paranoïa vis-à-vis de leurs conditions militaires et économiques. Ne pas montrer à l’ennemi ses faiblesses pour qu’elles ne soient pas exploitées.

            Le meilleur reste à venir.

            Dans une situation malgré tout délicate, des pourparlers vont être entamé avec StarFleet pour la survie future du dit Empire qui n’a plus que 50 ans d’espérance de vie. C’est évidemment l’Enterprise qui va être sur la brèche mais nous y reviendrons. Une rencontre est donc prévue et c’est un modèle de croiseur klingon venant du premier film qui va transporter les émissaires. Outre le clin d’œil évident pour la continuité avec The Motion Picture (ce modèle de vaisseau étant remplacé par la suite dans TNG par une version beaucoup plus modernisée et qui trouvera son heure de gloire dans la Tradition du Guerrier via DS9) , on sent que quelque chose est différent. Contrairement aux premiers films, il n’y a pas de plans sur la passerelle, pas d’atmosphère surchargée de rouge ou de fumée. Simplement un visuel sur le ventre du navire, que Kirk ne peut qu’admirer, précisant que jamais ces deux ennemis ne s’étaient trouvés aussi près l’un de l’autre sans mode de défense. Une simple téléportation va permettre d’entrer de plein fouet avec ces Klingons 2.0. ET la claque visuelle de suivre. Gros plans d’abord sur quelques paires de bottes et un étrange bâton. La caméra remonte ensuite progressivement vers le buste puis le visage des nouveaux venus. Et on réalise que rien ne sera plus jamais comme avant. Il y a autant de visages différents que d’acteurs. Les Klingons ne sont plus seulement des êtres stéréotypés et butors à la chevelure folle et au costume gris noir. Nous sommes en présence du chancelier de l’Empire (analogisme tacite à Hitler et l’Allemagne Nazie que cette dénomination de Chancelier ? Sans compter la référence au dictateur émise par Kirk peu de temps après…) et de sa fille , mais aussi de son conseil d’état à priori , parallélisme sympathique avec les royautés françaises et britanniques. Pas tout à fait ministres mais conseillers en propre et peut être même assimilable à une garde impériale. Ce sont malgré tout des militaires, ne l’oublions pas. Néanmoins outre cet apport politique tout en nuance, l’Empire n’ayant pas encore le système d’Empereurs propre à TNG et DS9 et à la continuité Star Trek, il est de bon ton de jeter un œil aux costumes et aux maquillages. Fard Mauve, tresses travaillées, barbes taillées, bijoux cérémoniaux, cuir rouge, pendentifs, médaillons, artefacts de guerre, bandeaux et j’en passe. Toute la garde robe a été remaniée, repensée pour imposer le respect et d’ailleurs, lors de la présentation de ce groupe peu commun, pas une seule ligne de dialogue ne trasparaît pour pouvoir laisser au spectateur tout le loisir d’admirer cette nouvelle représentation. Pourtant, des oripeaux aussi soignés soient ils ne restent que des oripeaux s’il ne sont pas portés avec classe et distinction. Le casting suit donc le mouvement et nous propose ni plus ni moins que ce qui restera la meilleure interprétation Klingon de toute l’histoire de TOS, Goron prenant à son compte celle de TNG et DS9. Le chancelier est joué par David Warner qui semble avoir fait une volte face totale par rapport à son rôle précédent dans l’Ultime frontière. Sa composition est sobre, ses réactions mesurées et ce dernier est d’une justesse impeccable. Regard, positionnement par rapport aux autres interprètes, complicité toute cérémoniale ou presque avec sa fille et enjeux de paix , tout est mesuré, contrôlé pour apporter à ce titre de chancelier toute l’assise nécessaire. On est déjà heureux d’un tel traitement qu nous éloigne considérablement de l’idiot quasi congénital que jouait Christopher Lloyd en son temps (ce dernier de son propre aveu ne voyant pas toujours l’utilité de certaines scènes comme celle où il prend une étrange position pour se faire téléporter, dixit les bonus de l’édition collector). David Warner retrouve ici l’emphase et la solidité d’expression de Tron et de La Malédiction (pour ne citer que ces deux films antérieurs à Terre Inconnue). La joie devient exultation quand on reconnaît l’interprète du Général Chang qui n’est autre que Christopher Plummer, le juge pugnace de Dolores Claibornes, le Dr de l’Armée des douze singes, le Van Helsing de Dracula 2001 (la seule bonne interprétation du film, soit dit en passant) et j’en passe. L’acteur shakespearien semble ici se régaler à jouer les Juda et nous donne à voir l’équivalent klingon de Kahn, rein de plus, rien de moins, tant la folie brille dans ses yeux et dans les piques qu’il lance à Kirk. Le voir ainsi mener un véritable double jeu n’en est que plus jouissif. Je ne donnerais pas ici volontairement de détails sur l’intrigue de manière à ménager le plus possible de surprises aux néophytes qui rejoindrait cette communauté chaleureuse que représente les trekkies.

            Evidemment, le film ne s’arrête pas là dans la réhabilitation des Klingons. A maintes reprises, leur univers est (enfin !) exploré en détails et on peut constater que les coursives d’un astrocroiseur de Kronos sont aussi bien entretenues et modernes que celles d’un vaisseau de Starfleet. Mieux encore, via quelques plans astucieux, on comprend enfin en image que la gravité sur un vaisseau n’est que peu de chose et que son absence peut avoir des conséquences désastreuses. Mieux encore, des spécificités physiques sont ajoutées aux klingons, comme un pendant du traitement d’élite réservé jusqu’alors aux vulcains. Si ces derniers ont le sens vert et le foie à la place du cœur (j’exagère peut être là), il est désormais établi que la physiologie klingon diffère fondamentalement de celle des humains et que leur sang est épais, fluo et violet. Autant de détails qui ne semble peut être pas si importants à la lecture mais qui apportent un plus indéniable à l’écran, sans compter une exploitation future poussée à son maximum avec l’invalidité (passagère) de Worf dans un des derniers épisodes de TNG (avec le principe d’un organisme possédant tous ses éléments vitaux en double, voire en triple).

            Qui dit politique dit également dissidents potentiels. Et tout gouvernement dans ce cas précis possède forcément des moyens plus ou moins dissuasifs pour les enfermer. L’apport à la mythologie klingonne se trouve alors doublé avec une démonstration sans équivoque du système judiciaire et pénitentiaire impérial. L’Empire possède sa propre prison : Rura Penthe. Planète froide, isolée, couverte de glace et principalement exploitation de Dilithium. L’Alacatraz de l’espace d’où personne ne s’évade…. Sauf les capitaines de la Fédération. Kirk évidemment ici mais chronologiquement parlant, on retrouvera aussi un certain Archer. Enterprise et TOS ayant d’ailleurs eu la grande intelligence d’utiliser les mêmes décors, ce qui assoit encore la volonté d’instaurer des institutions pluriséculaires. La disposition du tribunal en semi arène, les jeux de lumières opérés sur le juge et sur le public, l’acoustique des lieux, le cérémonial aussi avec un marteau avantageusement troqué conter une main de fer (littéralement), mais aussi les parois givrées de la prison, le nombre incalculable d’espèces aliens représentées font de ces passages des moments simplement bénis de perfection. Tout s’enchaîne, tout se suit logiquement, sans temps mort, faisant passer L’ultime frontière pour un délire sévère sous hélium (tant cela partait dans la n’importe quoi et le grand guignolesque) et pour suivre une certaine logique, j’en resterai là également, tout comme pour les conditions d’évasion du bon Dr qui a suivi Kirk au tribunal. Notons au passage Michael Dorn dans le rôle de l’avocat dévolu à la défense de Kirk, et qui se prénomme … Worf. Clin d’œil plus évident, cela reste difficile.

L’attrait principal du film côté Klingon et qui va pousser l’Enterprise à une faute apparente qu’il restera difficile de contredire (mais pas impossible non plus) est pour sa part basée sur une idée simple. Dans toute saga, pour obtenir un retournement de situation qui parviendra non seulement à clouer le spectateur sur son fauteuil tout en l’excitant suffisamment pour qu’il revienne en seconde semaine, il suffit parfois de peu de choses. Contredire une règle simple reste souvent le plus efficace. Dans TNG, on s’est ainsi retrouvé avec un Enterprise multiphasique capable de s’occulter (ce qui reste rigoureusement interdit à la fédération) et mieux encore de traverser la matière. Dans Ghostbusters cette même scène existe lorsque nos braves chasseurs de fantômes croisent leurs faisceaux contre le Bidendum Chamallow. Dans Retour vers le futur, c’est un simple échange de dialogues entre deux Dr Brown. Dans Superman, c’est le déni de l’interdiction absolue du père et le voyage dans le temps (deux fois chez Donner !) pour rétablir un certain ordre des choses. Citons encore une Phoebe qui bascule du côté obscur en s’unissant à la Source dans Charmed et j’en passe… faudrait voir à ne pas rester toute la journée non plus (d’autant que je vous invite à proposer vos propres exemples dans la partie post un peu plus bas). Pour Terre Inconnue, lors de sa première vision, la surprise est de taille, vraiment, et je n’en dirais pas plus, pour ne pas gâcher le travail à l’Unisson de l’Enterprise et de …. L’Excelsior.

Car en effet, l’univers Klingon n’est pas le seul à avoir eu des changements plus ou moins importants. L’Excelsior, fleuron de la fédération qui s’est retrouvé réduit à l’état de casserole sidérale dans Star Trek III et que l’on n’avait pas eu la chance de revoir ensuite (et qui reviendra sous forme d’Enterprise-C dans les univers parallèles mettant en scène une version uchronique de Tasha Yar dans TNG). L’Excelsior revient ici  en force, puisque c’est lui qui ouvre le film côté hommes en rouge et qui se prend de plein fouet (alors qu’il revenait d’une mission de relevés d’anomalie gazeuses,détail primordial qui permettra d’amener le superbe final) la déflagration consécutive à l’explosion de Praxis. Et ce n’est rien moins que Sulu qui est son capitaine, rôle qu’il retrouvera dans un épisode anniversaire mémorable de Voyager concernant le passé de Tuvok. On sait d’avance à partir de ce moment là que l’équipage original est éclaté et que Sulu va alors devenir un allié de poids par la suite (du moins on l’espère, car le nom de Goerges Takei est le dernier du cast original à apparaître au générique d’introduction, contrairement à celui de Walter Koening qui occupait autrefois cette position). Force est de constater qu’il va avoir dans cette fonction autant de panache que son illustre professeur. La Fédération est également à l’honneur. Et comment mieux démontrer l’humanité et la grandeur d’âme d’une entité qu’en la démontant tout d’abord via ses pires travers. Terminé l’aspect lisse et gentil yogi de Starfleet. Face au désespoir du peuple Klingon, les militaires se révèlent sectaristes, paranoïaques et limite racistes. Et c’est Kirk qui va porter le premier coup de grâce lorsque Spock précise que leur survie est en jeu et qu’il répond , le visage baigné de clair obscur qu’il faut tous les laisser mourir, que ce n’est pas en sous entendu leur problème, la rancœur quand à la perte de son fils restant vivace et lui étant fatale peu de temps après ; ce qui permet de tisser des liens avec Kahn, car la qualité de ce film reste aussi d’établir des ponts avec toutes les sagas TOS sans exception des années 60 aux années 80.  Pour exemple, la blonde qui se trouve à un poste de commande sur la passerelle de l’Enterprise n’est autre que l’infirmière Janice de TOS.  L’autre coup de bambou vient des vulcains eux-mêmes. En écho avec le Lieutenant Saavik, Spock a également suivi la progression d’une nouvelle élève qui se révèlera vénéneuse au plus haut point, symptomatique incarnation de la division qui règne alors dans Starfleet, un complot se fomentant au plus haut niveau. Star Trek VI est donc l’épisode de la maturité. Les instincts le splus vils sont mis en exergue. Les Klingons conspirent avec la fédération contre leurs peuples respectifs avec l’appui du peuple se voulant le plus neutre de l’histoire de la terre : les Vulcains. Les conséquences vont être incalculables et conduire tous les personnages à une remise en question salutaire. Kirk comprendra alors le but de cette nouvelle ère où les David n’auront pas à craindre les Gorkon. Spock, qui lui a passé l’ensemble des quatre premiers fils à s’établir en tant qu’individu entier va également nous offrir un scène choc que l’on en reverra jamais dans toute la franchise, en violant sa pupille. Pas d’inquiétude, il n’y a pas de violences sexuelles. C’est bien pire. Le viol physique vous meurtri au fond de votre chair. Le viol mental (qu’expérimentera T’Pol de manière moins violente) ne laisse pas d’équivoque. Le principe (gare au spolier) du « Mon esprit est ton esprit…. » a permis dans Star Trek des scènes mémorables mais les deux partis étaient généralement consentants, qu’il s’agisse d’une entité de silicium dans TOS (Les mines du Horta) ou de l’échange post mortem de Spock via Sarek et Kirk dans Star Trek  III.  Ici , le ton change. Face à une déception trop grande, preuve d’une certaine faiblesse pour Spock, il empoigne Valéris et lui impose cette fusion pour lui soutirer des informations. Celle-ci commence par se laisser faire malgré elle puis se ferme, prétextatnt qu’elle ignore le nom qu’on veut lui soutirer. Spock alors révulsé lui appose non pas une mais les deux mains de part et d’autre du visage tandis que Kim Catrall (qui a donc été vulcaine et nympho dans sa carrière, grand écart intéressant en soi quand on y réfléchit) ne peut réprimer un hurlement de douleur. La scène est terrible, les spectateurs passifs de la passerelle sont médusés, le spectateur serre malgré lui les contrefort de son fauteuils à s’en faire blanchir les jointures. Spock l’aurait rué de coups que cela n’aurait pas été plus choquant, d’autant que la fusion mentale de force d’un vulcain à un autre est considéré comme l’un des plus terribles crimes de la société vulcaine, dixit Enterprise. Mais les enjeux sont d’une telle importance….

Finalement, le lieu de rendez vous pour la conférence pour la paix est établi et révélée. Cette dernière se déroulera sur Khitomer. Le nom est lâché.

Khitomer représente à lui seul l’une des pierres angulaires historique de Star Trek. C’est le moment clef qui va permettre de tisser des liens de non agression entre  Klingon et Fédération, lien qui sera définitivement scellé avec le sacrifice de l’Enterprise-C pour sauver un avant poste Klingon attaqué par des Romuliens (qui ont eu une part active dans les différents complots de cet opus)  et c’est de là que va partir l’ensemble des références historiques de TNG. Le chainon vient d’être forgé et pour la première fois dans l’histoire de la télévision, deux séries qui sont séparées par 20 années de vides cathodique se retrouvent liées l’une à l’autre viscéralement. Ajoutez à cela les autres spin off de la saga et vous obtenez en toute logique l’histoire la plus longuement portée à l’écran de toute la science fiction, impression encore renforcée par Generations et l’autre épisode anniversaire traitant des tribules dans DS9.   

Star Trek VI était donc porteur d’enjeux qui auraient pu écraser n’importe quel projet de fiction. Il s’en est tiré haut la main. Sont à mettre en cause les corrélations évidentes mais somptueusement portés à l’écran via une débauche de moyens techniques et scénaristiques enfin à la hauteur de la licence mais aussi grâce à des acteurs qui , n’ayant plus que leur prestation à assumer, le font en toute sincérité, réussissant à tirer la substantifique moelle de leur personnage vers l’acmé de leur possibilité. Nicholas Meyer a réussi à fournir une véritable fusion de tout ce que la saga avait de meilleur tout en faisant oublier ses pires travers (suffit de regarder l’opus précédent). Reste un ultime aspect qui n’a pas encore été abordé. Star Trek au cinéma, excepté l’épisode 4 , a été très lourd en tragédie. L’homme a connu des désillusions quand à son créateur (Ultime Frontière) mais aussi face à ses créations (Voyager et The Motion Picture). Sa propre évolution a été synonyme de destruction (La colère de Kahn / Genesis) et sa volonté d’hégémonie inconsciente a failli causer sa perte, que ce soit par la destruction de mondes via le terraformage pour les remodeler ensuite selon ses besoins ou par la création pure et simple de ressources énergétiques au détriment de toute vie (l’inconscience scientifique de David pour compenser les travers de Genesis lui a coûté la vie) voire même l’exploitation de ressources jusqu’à leur épuisement (The Voyage Home et le risque pur et simple de voir la terre détruite). Il était normal de renouer avec cette volonté dans le dernier opus historique. Et politiquement parlant, c’est à un buffet royal que nous sommes conviés. Et tout le background culturel du drma a été distillé. Les allusions aux périodes sombres de notre histoire( Chang : nous avons besoin de nous étendre / Kirk : Hitler, Pologne, 1936), les recours constant à Hamlet, les affrontements verbaux et référentiels, la musique si particulière de cet épisode… tout concourt à nous conduire vers quelque chose d’unique qui pourtant nous fera sourire à maintes reprises via un recours à l’humour souvent salutaire. Nous citerons la petite bagarre dans la priosn remportée par Kirk pour une méconnaissance anatomique, le dialogue Klingon mené par Uhura, le recours excessif à la bière romulanaise et même le cynisme de Kirk qu’humainement nous partageons. Terre Inconnue permet aussi de clore toute la saga sous-jacente sur la vieillesse et le besoin inhérent de passer le flambeau …. En cela, le final est d’un onirisme sans faille et je peux en parler sans révéler qoique  ce soit (les gentils gagnent, vous êtes surpris ? Non. Mais qui sont réellement les gentils… ?) .L’Enterprise  est rappelé au spatiodock pour un démantèlement sans retour, situation rappelant celle de Star trek III. Mais cette fois c’est tout l’équipage qui s’exprime par la bouche de Spock qui propose simplement d’envoyer StarFleet Command au diable. L’Enterprise A s’envole donc vers d’autres aventures sur fond de Soleil qui est loin d’être couchant tandis que l’Excelsior le quitte également (la mise en scène entre les deux vaisseaux terriens et celui de l’Empire est fabuleuse). Le monologue de Kirk rappelle qu’un autre vaisseau prendra la relève dans les années à venir, renvoyant l’ascenseur à TNG qui aura intrasèquement permis cette dernière aventure. Et la larme à l’œil devant cette page de notre vie de cinéphile qui se tourne inexorablement, les dédicaces des acteurs remplacent leurs noms sur le générique final pour nous faire un ultime cadeau, autographe sur fond d’étoiles d’une histoire entrée au firmament.

C’est sur ces belles paroles que se clôt (provisoirement ?) le dossier sur la saga Star Trek au cinéma, dans l’attente de la sortie du dernier opus dans les bacs qui se veut en fait être le premier tout en s’intercalant avec une série (vous suivez encore ?) et une autre. Je suis ravi d’avoir partagé mes modestes vues avec vous et vous remercie de m’avoir accompagné jusqu’au bout dans cette Entreprise. 

Merci à tous et n’oubliez pas, réagissez !     

Roger Moore revient donc une nouvelle fois dans le rôle de Bond. Dans cette période de détente inter blocs, d'exploration spatiale (ou comment amorcer tranquillement Moonraker dans quelques temps) et de libération de la femme, 007 a t il encore sa place avec une Angleterre à l'égo hypertrophié, désireuse de se poser, une fois encore devant les Etats-Unis, comme juge et jury au niveau mondial ? Bond saura-t-il s'adapter ou restera-t-il un objet poussiéreux, encore trop ancré dans les valeurs passéistes des années 60 ?

Autant le dire de suite, cet " Espion qui m'aimait " est un excellent opus en regard de la catastrophe de " Vivre et laisser mourir " et se hisse sans peine au niveau d'Opération Tonnerre. Ici s'arrêtera la comparaison avec l'ère Connery , raisonnablement révolue. Le début du métrage donne en cela le ton, et ce dès l'apparition du fameux Barrel logo, via une réorchestration du célèbre thème beaucoup plus rapide et nerveux qu'auparavant. L'action commence aussitôt, sous l'égide de Lewis Guilbert (suite à la défection plus que bienheureuse d'Hamilton qui a toujours couru, à mon sens, après sa réussite artistique des premiers opus) via un clin d'œil à peine discret au scénario qu'il a précédemment mis en image.

Dans On ne vit que deux fois , le film s'ouvrait sur la captation d'une capsule spatiale par un énorme astronef , le bloc lésé étant tantôt russe, tantôt américain. Ici, rebelote, via cette fois deux sous marins nucléaires. La comparaison aurait pu se poursuivre avec un affrontement basique entre coco et capitalistes. Et c'est là que l'espion qui m'aimait innove totalement en démontrant que Bond est le parfait reflet de son époque, puisque cette fois, Angleterre et URSS vont collaborer, ralliant à leur mission les Etats Unis en cours de route, mais nous y reviendrons.

Suite à cette disparition de sous marins, ce qui au passage, pour l'époque représentait un élément cinématographique de menace nucléaire idéale, puisque source quasi obligée de décors exigus et exotiques avec de futures explosions quasi indispensables, on se retrouve donc devant une prise de contact avec xXx (hommage du film post Bond à son aîné ?), agent secret n° 1 du KGB, évidemment au lit avec une femme, magnifique qui plus est.

Le dialogue, riche de double sens, reste évocateur dans la bouche de ce parfait croisement entre Lazemby et Connery (désolé mais finalement, on y revient toujours !) et c'est avec surprise qu'on découvre que l'agent en question est la jolie sylphide !

Révolution en soi que cette décision car la JBG de ce film laisse augurer du meilleur. En effet, je ne vous ferais pas la gageure de revenir sur les filles des missions précédentes, mais à part Diana Rigg, elles occupaient le plus souvent des rôles de potiches (et par forcément inspirées en plus, Ursula Andress en tête qui à part gêner Bond dans l'intrigue avec Dr No ne sert vraiment à rien…. Si ce n'est à accentuer le côté viril de Connery).

Ici, l'avancée est considérable puisque le major Anya Amasoua ne représente rien d'autre que le parfait tenant de Bond : douée, froide, efficace, se donnant corps et âme à sa patrie et visiblement ayant un certain succès auprès de la gent masculine.

On laisse alors de côté Anya pour retrouver Bond dans une situation similaire, lui aussi étant appelé en mission. La scène qui s'en suit est alors classique mais efficace et nous ramène sur les traces d'OHMSS avec une poursuite sur les pistes enneigées du Mont Asgard (les mêmes décors auraient il été réutilisés pour Saint Seiya avec la saga éponyme ?) durant laquelle Moore tue le petit ami d’Anya, grâce à l'aide indirecte de Q.
Les acteurs skient, les balles fusent, les décors sont beaux et les méchants dégustent. On se dit que l'action est bien partie et qu'on peut se laisser aller à savourer (enfin !) son Bond sans arrière pensée.

Que nenni.

La cascade qui suit reste alors gratuite, spectaculaire et inattendue tout en étant magnifiquement filmée (quand on voit les bonus, on se dit que ce coup de pot est vraiment providentiel) : Bond saute en ski du haut du sommet pour dévoiler un magnifique parachute hommage à l'Union Jack, procédé que l'on retrouvera 30 ans plus tard dans Meurs un autre jour.

Le pré- générique commence seulement à s'annoncer mais le geek qui sommeille en chacun de nous est déjà sorti de son lit, prêt et fébrile, en attendant la suite.

On passera sur la présence de Moore au générique et sur les incompréhensibles sauts périlleux de ce dernier sur fond bleu pour s'attaquer directement aux qualités du film.

L’Espion qui m’aimait possède un autre avantage non négligeable dans son méchant de service : enfin un mégalomane, un vrai ! Terminé les délires stupides et tellement conventionnels de celui qui voulait devenir roi de la drogue, oubliées les revendications planétaires d’un Blofeld en mal de clones et bonjour à un méchant pas piqué des vers avec QG hors du commun et goût de luxe de rigueur.

D’ailleurs, même sa présentation est très soignée, entourée de tableaux de grands maîtres (c’est bien connu, tous les maîtres du monde en puissance sont de véritables esthètes , on se rappellera Dr No ou bien encore Blofeld et même Goldfinger qui érigeait l’or comme une œuvre à part entière), Stromberg reçoit deux scientifiques ayant travaillé pour lui, en compagnie de sa compagne, qu’il n’hésite pas à sacrifier devant eux, histoire de les mettre en garde du sort qui les attends en cas de trahison (ce qui nous laisse d’ailleurs un très bon passage en terme de suspense). Le fait que les deux gus se fassent exploser en hélicoptère reste bien évidemment accessoire.

On admirera au passage les tableaux qui remontent (parallèle avec Dr No pour les goûts artistiques), la piscine à requins perso (comme dans Opération Tonnerre), une fortune perso à disposition et une renommée dans son domaine (comme Goldfinger par exemple) … soit en fait un bad guy qui représente une véritable compilation de ce qui faisait le charme des autres mauvais garçons dans les derniers épisodes marquants. Il faut bien sûr rajouter à tout cela une touche de nouveauté, en en faisant un terroriste écologique. Le QG en lui-même est extrêmement marquant avec ce bâtiment futuriste qui est capable de s’immerger totalement et ce super tanker prodigieux capable de boulotter pas moins de 3 sous marins, équipage compris.

Il reste cependant dommage de clôturer ce portrait assez brillant par une fin plutôt bâclée, abattu froidement par Bond… une mort sans panache comparée à celle de Dr No ou de Goldfinger (je sais, on en revient toujours à eux, mais je n’y peux rien).

N’oublions pas Jaws. Ce cousin éloigné du kryptonien Non est une véritable trouvaille visuelle et graphique. Ces dents en acier sont une excellente façon de mettre à mort … bien qu’un peu dégueulasse quand même. De plus, le caractère increvable de ce titan (lors de l’explosion finale ou de la confrontation directe dans les pyramides contre un fourgon !) renforce l’aura mystérieuse qui l’entoure et la scène dans le train est elle aussi mémorable (encore une scène dans un espace clos, et qui plus est dans un train, à croire que cela va devenir un classique !)

Le fait qu’il soit silencieux le rend également beaucoup plus dangereux. Dommage que ce potentiel énorme soit gâché dans Moonraker.

Le film en lui-même est assez bien construit. On peut ainsi le diviser en 7 parties (oui, oui) que je vais aborder en filigrane.

La première partie est assez fraîche et nous permet d’assister à un véritable jeu du chat et de la souris entre agent russe et agent UK, à ceci près que les deux petites bêtes officient de concert avec les coups tordus que cela implique.

La course au microfilm se poursuit dans une seconde partie parmi les pyramides d’Egypte, entrecoupée de meurtres sauvages de la part de Jaws pour ensuite déboucher sur une entente « cordiale » entre services UK et soviétiques avec l’équivalent de M installé dans son propre bureau , en plein cœur d’une pyramide justement, ce qui, à défaut d’être crédible, a permis de montrer plusieurs plans très amusants dont un avec un Bond vraiment surpris de cette alliance.

Une troisième partie, plus succincte, confronte Anya et Bond, celle-ci découvrant que 007 est le meurtrier de son fiancé. La situation en elle-même était attendue mais cela apporte beaucoup plus de piquant à leur relation professionnelle … tout en amusant quelque peu Bond. Le film se poursuit avec la présentation véritable du méchant via une visite des deux agents à son quartier général amorçant de fait LA scène du film, avec la course poursuite en LOTUS.

Avec cette séquence, l’équipe des Bond a littéralement pété les plombs (avec le disjoncteur et l’usine EDF attenante). La voiture en elle-même, sorte de cousine éloignée de la Delorean chère à Marty McFly à déjà une gueule folle (on est en 1977 tout de même !) et sa présence sur la route pourrait s’apparenter à de la science fiction. La poursuite en elle-même commence de manière classique avec les deux agents en première position suivis de près par Jaws et ses copains (on pourra légitimement se demander comment ce dernier s’est débrouillé pour entrer dans la voiture, mais bon) qui finissent logiquement dans le décor. Bond pense alors s’en être tiré et c’est alors que surgit un hélicoptère qui reprend les hostilités avec à son bord une femme qui conduit à un plan incroyable , un échange d’œillade avec Bond qui de surcroît lui répond ! On se demande alors comment la petite Lotus va venir à bout de cet ennemi aérien, d’autant plus qu’elle se fait proprement mitrailler.

Là, il faut reconnaître que les scénaristes (et les techniciens) ont bien fait les choses. Habituellement, Q et consort se font un plaisir de nous expliquer par avance comment fonctionne les différents gadgets du film, mais pour fois, la surprise est totale ! Voir la Lotus défoncer volontairement le parapet pour couler à pic avant de se transformer en sous marin et pulvériser l’hélico avec un missile mer-air ! Bond reste avant tout un grand spectacle, et cette fois, il démontre cet état de fait avec brio. Et l’action ne s’arrête pas là car les plongeurs de feu le Spectre qui étaient au chômage depuis Opération Tonnerre reprennent du service et se font de nouveau jarcler par notre espion préféré.

Côté surenchère , le paquebot de Stromberg se fait un troisième sous marin , US cette fois, histoire d’avaler les trois grandes puissances .Mais si on regarde bien, deux sous marins seulement étaient nécessaires pour mener à bien son plan. Le troisième ne représente en fait qu’un rebondissement scénaristique uniquement présent pour amener le dit équipage US, parfait pendant à lui seul de l’habituel Felix Leiter.

Dans une 5ème et 6ème partie, Bond et Anya se font capturés (la belle affaire) , histoire de faire jouer les antagonismes et d’avoir une confrontation Bond / Stromberg qui tourne court. S’en suit alors dans une dernière partie la prise générale du gros navire par les amerloques dans un remake assumé de la scène finale d’On ne vit que deux fois… remake assez réussi d’ailleurs, si ce n’est dans l’explosion finale de la porte en acier du QG avec une tête nucléaire récupérée avec beaucoup d’adresse.

En effet, Bond doit la retirer sans toucher les extrémités métalliques de la tête qui s’amuse avec un champ magnétique. Tout le monde retient son souffle bien sûr et 007 s’en tire sans mal. Le fait qu’on soit sur un bateau et que cela tiraille de toutes part et dans tous les coins, tout le monde s’en fout bien évidemment…. Quant aux retombées radioactives à long terme après exposition dans un espace clôt, pourquoi s’en soucier ?

Cela mis à part, ce Bond, et je pense que je l’aurais démontré, reste un excellent moment de la saga et après tout, ces quelques invraisemblances ne pèsent pas bien lourd devant un bon cru de 007 (il était temps, soit dit entre nous !).

9ème opus des aventures de l’espion britannique, cet Homme au pistolet d’or peut se prévaloir de nombreux atouts en la personne de Christopher Lee, avec la prestation inspirée de Roger Moore ou bien encore via un superbe QG de bad guy sortant un peu de l’ordinaire, nonobstant bien évidemment la carcasse du Queen Elisabeth.

Il souffre néanmoins de nombreux défauts comme des JBG toujours inutiles, le retour de l’infâme shérif Pepper (le pire vilain de la franchise) , d’un scénario prétexte et peu crédible (malgré un contexte économique international touché de plein fouet par les crises pétrolières) et j’en passe.

Vous savez donc la couleur. Fan de cette mission passez votre chemin (ou prenez en plein le pif, c’est au choix).

Le film s’ouvre donc, une fois n’est pas coutume, non pas sur la dernière action surhumaine de Bond mais dans l’ambiance feutrée du QG de Scaramanga. Parti pris scénaristique intéressant en soi, puisque nous permettant de nous familiariser d’emblée avec le vilain de l’épisode et sur ses infrastructures (du moins en partie, toute la partie Sol –X restant à venir) ainsi que sur sa motivation première, une confrontation avec Bond. Notons au passage que pour un agent réputé secret, Bond est plutôt bien connu de tous, qu’il s’agisse de la police de Louisiane, de la CIA, ou bien encore des super vilains de la franchise. Scaramanga possède ni plus ni moins qu’un double de cire de l’agent 007 ! Le générique s’ouvre alors sur une ultime démonstration de l’habileté meurtrière de ce tueur à gage si particulier. Car Scaramanga n’a absolument rien à voir avec les précédents méchants. Dr No, Blofeld et consort appartenaient au Spectre tandis que Goldfinger et Stromberg n’étaient rien d’autre que des mégalos ayant quelques rêves de portée mondiale pour satisfaire leurs envies ou leurs ego.

Scaramanga n’est rien de tout cela, puisque proposant ses services au plus offrant, en tant que simple exécutant, le tout avec un certain raffinement. A priori, rien de bien excitant dans ce bref portrait. Et pourtant.

Physiquement tout d’abord, Scaramanga tient la dragée haute à 007 : élancé et de grande taille, il est aussi très précieux dans ses déplacements. La manière de s’exprimer reste également bien élaborée, nonobstant un côté british lui aussi en parallèle avec 007. De plus, il est redoutablement efficace. Du personnage fade du roman, Christopher Lee a su donner une interprétation haute en couleur dans laquelle réside un des points forts de cette mission. Avec tous ces attributs, Scaramanga aurait pu devenir un espion redoutable. Ayant choisi les chemins de traverse, il va se révéler un véritable pendant maléfique de Bond, son âme damnée. Dans toutes les grandes franchises télévisuelles ou cinématographiques, le héros possède toujours une Némésis aux pouvoirs similaires.

On a pour l’exemple des opposés célèbres : Superman / Bizarro , Flash / Dr Zoom, Rocky / Appollo, Victor Newman / Jack Abbott, le grand Schtroumph / Gargamel, Starfleet / le collectif Borg  …..

Il n’y avait donc aucune raison qu’un Némésis de Bond ne soit porté à l’écran, d’autant plus que le MI :6 avait eu longuement droit au sien avec le Spectre.

Moore pour sa part s’en sort avec flegme et assurance et une fois encore, démontre qu’il possédait bien toutes les aptitudes à assumer le rôle de Bond. La VO est d’ailleurs à ce point de vue surprenante, apportant une couche supplémentaire de psychologie au personnage, le raffinement côtoyant avec bonheur la force tranquille du personnage et un humour pince sans rire sans cesse développé depuis Dr No. Excellent dans sa position envers les femmes, nécessairement froid lorsqu’il s’agit de leur soutirer des informations, ce qui peut à priori choquer venant de Moore, en particulier quand il passe à tabac (méthodiquement) Maud Adams pour savoir où se trouve Scaramanga. Profitez bien de ces quelques plans, car il a  été décidé par la suite de le montrer beaucoup moins violent dans ces situations, dixit les bonus de l’espion qui m’aimait .

Le personnage de Nick Nack est également une bonne trouvaille car on ne sait jamais s’il est réellement attaché à Scaramanga durant le film, semblant n’attendre qu’une chose, sa mort pour pouvoir hériter du complexe de ce dernier. Même lors de l’affrontement final sur la jonque, on ne sait s’il essaie de  tuer Bond pour venger son défunt maître ou parce qu’i a tout perdu dans l’explosion du QG. Ce moment précis mis à part, force est de reconnaître que ses interventions sont toujours savoureuses, apportant un peu de sel à l’action, en particulier lors de l’exécution du pré-générique. Ce sidekick est d’autant plus méritant qu’il est toujours de bon conseil et qu’il permet des ressorts scénaristiques intéressants comme lors du match de kickboxing.

Les JBG, malheureusement ternissent l’ensemble de ce casting choisi. Bonne Nuit est confondante de banalité et aurait plutôt tendance  à crisper le spectateur qui se croirait pour un peu revenu au temps des Diamants sont éternels avec cette cousine cachée de Jill St John. On peut au passage se demander quels sont les critères d’évaluation d’entrée au MI :6…. Maladresse, manque d’à propos, étourderie, un autre Némésis parfait de Bond …. Dans la crétinerie. Et ce n’est pas Maud Adams, JBG du vilain, histoire que l’opposition Lee / Moore soit complète, qui relèvera le niveau. Qu’il s’agisse des scènes avec Scaramanga (à dominance fortement phallique avec le golden gun, ce qui est en soi assez osé quand à la considération de ce dernier sur les femmes, nous ramenant directement à Dr No sur le sujet et faisant fi des avancées considérables amorcées avec Pussy Galore et Tracy) ou avec Moore (le pistolet sous la douche, mais bien sûr) , elle échoue sur toute la ligne et le spectateur lambda ne l’appréciera à sa juste valeur que dans une scène unique, celle de sa mort.

Tout Bond qui se respecte doit se démarquer avec une cascade ou une scène mémorable. L’Espion qui m’aimait avait la scène du parachute, Dr No avait Ursula Andress (jouer une jolie potiche n’est pas aussi évident que ça quand on y réfléchit bien) , Bons Baisers de Russie avait la scène du train ou bien encore la mort de son faux Bond, Goldfinger était en soi mémorable, Opération Tonnerre avec le Disco Volente répondait aussi à l’appel et Ohmss avec la mort de Mme Bond avait placé la barre très haut (d’ailleurs, annonce pour tous pour les réactions un peu plus bas, quelle est votre scène préférée des 10 premiers Bond de la franchise ? Une seule réponse et une seule scène par participants, svp !).

L’homme au pistolet d’Or se démarque par sa scène de cascade en voiture. Réalisée en une seule prise par un cascadeur n’ayant jamais effectué une telle prouesse et avec l’assistance d’ordinateurs, on ne peut que rester pantois devant tant de maestria. Las, Hamilton n’a rien trouvé de mieux que d’y apporter un bruitage totalement grotesque, mettant à mal le risque qui a été pris. L’écoeurement est alors total. Il aurait été grandement judicieux de laisser une bande son vierge avant de redémarrer aussitôt avec la composition de Barry (aux commandes qui plus est lors de cet épisode).

Les décors sont assez marquants dans cet opus. Le QG de Scaramanga en tête bien sûr, véritable amalgame (réussi) de tout ce qu’on avait vu avant. Les clins d’œil aux autres opus sont évidents et je ne vous ferais pas la gageure de les énumérer ici sous peine d’être taxé de longueurs interminables et de référencement multiple . Le Queen Elisabeth est de son côté tout aussi remarquable comme QG temporaire du Mi :6. On appréciera les angles particuliers de la caméra pour donner un semblant de normalité à ce décor aux lignes de forces tout en diagonale. Assez déroutant de prime abord, il permet d’apprécier l’énorme machinerie  se trouvant à tout moment derrière 007.

Le seul gros point noir de ce film , car il en faut un, vient de son scénario. Sous prétexte d’une crise économico-énergétique (Bond ayant toujours collé au contexte géo-politique de son époque), le spectateur est embrigadé dans la recherche d’un élément mystérieux, le Sol-X, capable de maîtriser l’énergie solaire. On y croit pas une seconde, d’autant qu’au final, ce « grand héritage » local (les fans des cités d’or apprécieront) est relégué aux oubliettes, disparaissant même complètement des préoccupations finales de Bond (qui pense quand même à le mettre dans sa chemise avant de se carapater sur la jonque avec sa copine du jour).

Pour mettre en place un affrontement basique entre le bon et le truand (l’olmec Nick Nack pouvant officier dans le rôle de la brute….), il existait sans doute des moyens moins tarabiscotés. Ce qui laisse une impression générale de vacuité. Que retenir de ce Bond à la fin de la séance ? De jolies filles ? Certes, mais sans cervelle. Un enjeu planétaire ? Possible, mais avec le temps, on l’oublie vite. Des gadgets mémorables ? Je ne vois pas lesquels (ce qui tend à démontrer que l’utilisation outrancière des ces derniers, tant décriée, n’est pas encore de mise). Un bad guy d’exception ? Las, Lee a fait fort.

L’homme au pistolet d’Or aurait pu être un grand Bond. Ce n’est pas pour autant un Bond mineur, à la rigueur un Bond de Transition entre l’horrible Vivre et laisser Mourir et l’excellent Espion qui m’aimait. On appréciera d’autant plus qu’Hamilton passe le relais la fois suivante, car sincèrement, vous imaginez, vous, le sheriff Pepper sauvant le monde en détruisant les trois sous marins de Stromberg ?      

Le film d'aventures, à fortiori de pirates, était un genre tombé en désuétude à Hollywood depuis plusieurs décades. Si l'on peut noter un certain revival côté télévision avec des productions de type Barbe Noire avec Richard Chamberlain, force est de constater que personne ne miserait un kopeck sur une histoire somme toute classique de trésor, elle même reprise d'une attraction du Disneyland historique.

Il aura suffit de mâtiner le tout d'un soupçon de fantastique et de fantômes, d'un vaudeville improbable (ce que tout type de triangle amoureux est par nature) entre trois individus (voire quatre) de nature différentes , d'un producteur avisé et d'un acteur de génie sans qui rien de tout cela n'aurait été possible et voilà que déboulent en vrac Davy Jones (cité) , Jack Sparrow (oui, oui, le CAPITAINE Jack Sparrow), le Black Pearl et consort avec tout le savoir du rouleau compresseur de la machine à rêves d'Outre Atlantique.

On obtient au final le film familial par excellence, celui qui fera passer la baby sitter pour une héroïne plus forte que Xéna la Guerrière pour le paternel qui désire avoir un moment de tranquillité avec sa moitié et plus forte que Supergirl pour le gosse qui pourra voir tranquillement les aventures de son futur héros préféré au chaud et en pyjama (c'est bête, mais le plaisir que cette tenue procure quand on regarde un film au chaud sans avoir quelqu'un qui prend votre fauteuil ou votre lit pour un défouloir à petons ne peut que donner un plaisir inimaginable).

Remarquable aussi le fait de pouvoir utiliser des images aussi fortes que ces squelettes couverts de chair en décomposition au clair de lune dans un film Disney là ou quelques années plus tôt la même firme avait refusé de financer le premier opus de Retour vers le Futur sous prétexte qu'il était amoral de voir une mère embrasser son propre fils, même sous le prétexte d'un paradoxe temporel.

La firme à Mickey a donc bien évolué depuis, mais a surtout réussi une synergie parfaite entre producteurs, scénaristes et acteurs. Le film doit énormément (tout?) au jeu déjanté et efféminé de Johnny Depp qui ne s'approprie pas seulement un personnage pré-existant mais qui le reprend pour créer quelque chose de nouveau et d'inédit pour un tel public . Mascara, dents en or , jeu , tout avait été réfuté par Disney mais imposé , à raison, par Depp qui fut nominé pour l'oscar du meilleur acteur suite à cette prestation hallucinée.

Le film en, lui même reste équilibré, pose des personnages plus travaillés qu'à l'accoutumée et pouvant révéler quelques surprises, une fois sortis de leurs carcans respectifs, grâce à un passé fouillé. Le cadre historique possède un fond de vérité, que ce soit pour l'origine du trésor en lui même mais aussi pour la place déclinante des pirates dans ce monde en pleine mutation qui occupera d'ailleurs une place beaucoup plus importante dans le dernier (?) opus de la tétralogie actuelle. L'action est bien évidemment très présente , sans compter une excellente bande originale que l'on entendra un peu partout par la suite (d'un télé-crochet sur M6 à d'autres bandes annonces d'autres films) et un humour très second degré étonnant de justesse et permettant de contre balancer avec un côté dramatique et désespéré de la bande à Barbossa qui sont pirates certes mais surtout maudits.

Dans ce jeu de miroirs, les méchants ne le sont pas vraiment et les « gentils » ont plusieurs visages et se révèlent les plus manipulateurs (état de fait confirmé dans les opus suivants). Un vrai régal donc, dont on pourra abuser sans crainte avant d'atteindre une indigestion certaine dans l'interminable avant dernier volet (les trilogies récentes ayant tendances à se fourvoyer dans ce piège, Matrix et LOTR).  La  Fontaine de Jouvence quant à elle ne sauvera pas les meubles, accumulant les défauts de ses prédecesseurs.